Virtuelle Museumsbesuche
Im Victoria and Albert Museum in London zum Beispiel kann man gezielt nach Textilien suchen und unter anderem nach Stickereien stöbern:
https://www.vam.ac.uk/collections/embroidery
Stickereien finden sich auf allem, angefangen von Strümpfen und Nachthemden bis hin zu Brautkleidern und Wandbehängen, und sie werden seit über tausend Jahren zur Verzierung von Textilien verwendet. Vom Kreuzstich bis hin zur Couching umfasst die Kollektion Beispiele von Sticktechniken aus der ganzen Welt, die sowohl von erfahrenen Profis als auch von Amateuren ausgeführt wurden.
Besonders schön fand ich dieses bestickte Abendkleid, das man in vielen Details betrachten kann:
http://collections.vam.ac.uk/item/O16820/the-flowers-of-the-fields-evening-dress-hartnell-norman/
Das elfenbeinfarbene Abendkleid, das Königin Elisabeth II. 1957 bei einem Staatsbesuch in Paris trug, ist mit aufwendigen Perlenarbeiten in Gold und Weiß verziert. Zu den schillernden, juwelenartigen Details des Stickmusters gehören Miniaturbienen, Gräser, Weizen und Wildblumen. Diese Motive sind reliefartig in facettiertem Glas, Goldperlen, Brillanten und verschieden geformten Perlen, Perlmutt und Goldblättern gearbeitet. Das Kleid hat auch eine extravagante Rückenschleife. Das Design dieses Abendkleids für einen einzigen Anlass nimmt diplomatisch auf französische Motive Bezug, darunter die Blumen Frankreichs und große goldene Bienen, das Emblem Napoleons. Es sollte sowohl der französischen Nation ein Kompliment machen als auch die Aufmerksamkeit auf die Königin lenken.
Das Victoria and Albert Museum hat eine große Sammlung japanischer Kunstgegenstände:
https://www.vam.ac.uk/collections/japan
Das V&A sammelt seit seiner Gründung im Jahr 1852 japanische Kunst und japanisches Design und besitzt heute eine der weltweit umfassendsten Sammlungen, darunter Keramik, Lack, Waffen und Rüstungen, Holzarbeiten, Metallarbeiten, Textilien und Kleider, Drucke, Gemälde, Skulpturen sowie modernes und zeitgenössisches Kunsthandwerk.
Hier lernt man Vieles über Kimonos, alles auf Englisch, aber ich habe es für Sie übersetzt:
https://www.vam.ac.uk/articles/kimono
Japan hat eine sehr reiche Textilgeschichte, wobei der Kimono ein Schwerpunkt des Interesses und des künstlerischen Ausdrucks ist. Der Begriff Kimono wurde erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts eingeführt und bedeutet "das Ding zum Anziehen". Ursprünglich von einfachen Leuten oder als Unterwäsche der Aristokratie getragen, wurde der Kimono ab dem 16. Jahrhundert zum wichtigsten Kleidungsstück für alle Klassen und beide Geschlechter. Er ist auch heute noch ein dauerhaftes Symbol der traditionellen japanischen Kultur.
Kimono sind einfache, gerade genähte Kleidungsstücke. Sie werden links über rechts gewickelt getragen und mit einer Schärpe, dem sogenannten Obi, gesichert. Die Länge des Kleidungsstücks kann durch Aufziehen von überschüssigem Stoff unter dem Obi verändert werden. Andere Teile können dem Träger angepasst werden, wie z.B. das Zurückziehen des Kragens, so dass der Nacken einer Frau sinnlicher zur Geltung kommt. Der Wickelstil ermöglicht eine leichte Beweglichkeit - ein nützliches Merkmal für eine Kultur, in der viele Aktivitäten durchgeführt werden, während man auf dem Boden sitzt. Der Kimono eignet sich auch gut für das Klima Japans, wobei der ungefütterte Kimono in den feuchten Sommern und der mehrfüßige Kimono im Winter getragen wird.
Beim Kimono ist das Muster und nicht der Schnitt des Kleidungsstücks von Bedeutung. Hinweise auf den sozialen Status, die persönliche Identität und die kulturelle Sensibilität werden durch Farbe und Verzierung ausgedrückt. Nur die Elite trug regelmäßig einen luxuriösen Kimono; die Mehrheit der Menschen hätte Seidengewänder nur zu besonderen Anlässen getragen. Auch die Wahl des Obi und der Accessoires, wie Kämme und Stecknadeln, die im Haar getragen werden, sind wichtig.
Prachtvoll dieser Kimono, den ich auch im Bild zeigen kann:
http://collections.vam.ac.uk/item/O1298036/kimono/
Das Motiv auf diesem extrem üppigen äußeren Kimono (uchikake) ist ein Theater-Motiv, das sich auf die chinesische Legende von Shakkyo (Steinerne Brücke) bezieht. Darin geht es um eine Brücke über eine steile Schlucht in der Nähe des Gipfels des Berges Seiryo, die angeblich in das buddhistische Paradies führt und von Shishi (mythische Löwen) bewacht wird. Das aus dieser Geschichte adaptierte Kabuki-Stück gipfelt in einem dramatischen Shakkyomono, einem Löwentanz. Die Figur auf der Brücke ist ein Kabuki-Schauspieler, der den Geist der Shishi verkörpert, während unten die eigentlichen Shishi mit anderen Figuren dargestellt sind, die von Pfingstrosen umgeben sind. Es ist daher möglich, dass der Uchikake für eine Kabuki-Theateraufführung getragen wurde. Kostüme, die auf der Bühne getragen wurden, mussten sicherlich extravagant und auffallend sein, aber die Motive waren normalerweise nicht so deutlich ausbuchstabiert. Es ist daher wahrscheinlicher, dass dieses Kleidungsstück einer hochrangigen Kurtisane gehörte.
Die drei Figuren, Shishi und Pfingstrosen, bestehen aus in leuchtenden Farben gefärbter Satin- und Kreppseide, die auf den schwarzen Grund aufgetragen und dann mit eingewickeltem Goldfaden umrissen wurden. Die Brücke, die Wolken, das Wasser, die Blätter und andere Elemente sind ebenfalls in Goldstickerei ausgeführt. Die Augen der Shishi sind aus Glas, ebenso wie die der Hauptfigur auf dem Steg, die auch echtes Haar von einem Tier und Knöpfe aus Metall hat.
Dieser prächtige Mantel wurde in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts für einen Mann am Moghul-Hof angefertigt.
https://www.vam.ac.uk/collections/quilting-and-patchwork
Er ist mit feinem Kettenstich auf weißem Satingrund bestickt, mit Abbildungen von Blumen, Bäumen, Pfauen, Löwen und Hirschen. Der Bereich um den Hals ist frei von Stickereien, da ein separater Kragen oder eine Pelerine, wahrscheinlich aus Fell, angebracht worden wäre. Diese Art der Kettenstickerei wurde wahrscheinlich von professionellen, männlichen Stickern der Gujarati-Mochi-Gemeinschaft ausgeführt, und sie wurden zum Besticken feiner Behänge und Kleidungsstücke für den Moghul-Hof sowie für den Export in den Westen eingesetzt.
Das Kunstgewerbemuseum in Berlin beherbergt eine der umfassendsten Modesammlung mit einer Spanne von drei Jahrhunderten in Deutschland.
https://artsandculture.google.com/exhibit/12-herausragende-kreationen-von-balenciaga/WAKCFnJV2fqUKw?hl=de
Die kleine aber feine Sammlung von Balenciagas Entwürfen bringt das Genie des herausragenden Designers auf den Punkt. Tages- und Abendkleidung illustriert seinen innovativen Geist, gekrönt von einem frühen Beispiel seiner Handwerkskunst von 1939/40.
Fünf Online-Ausstellungen zu Mode kann man im Kunstgewerbemuseum im Berlin sehen:
https://artsandculture.google.com/partner/kunstgewerbemuseum-staatliche-museen-zu-berlin?hl=de
Uli Richter Revisited: Fashion Hot Spot Berlin
Der letzte Schrei: Damenmode aus dem 18. und 19. Jahrhundert
12 herausragende Kreationen von Balenciaga
Designikonen: Mode und Stil des 20. Jahrhunderts
Der Elegant: Herrenmode des 18. und 19. Jahrhunderts
Das Bode-Museum in Berlin zeigt inmitten der Sammlungspräsentation des Münzkabinetts die temporäre Intervention „Perlentausch: Wissen, Welten, Werte“
https://www.smb.museum/ausstellungen/detail/perlentausch.html
Anhand von vier ausgewählten Objekten des Ethnologischen Museums wird die Bedeutung von Glasperlen als kulturenübergreifendes, bis heute verwendetes Tauschmittel und zugleich als Material regional spezifischer Handwerkstraditionen veranschaulicht.
Das Museum Europäischer Kulturen in Berlin zeigt die Ausstellung "Fast Fashion. Die Schattenseite der Mode" konzipiert vom Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg.
Darin wird ein kritischer Blick auf die Folgen des Modekonsums für Produzent*innen und Umwelt geworfen und die Besucher*innen werden angeregt, sich engagiert mit ihrem eigenen Konsumverhalten auseinanderzusetzen. Das Museum Europäischer Kulturen (MEK) ergänzt die Auseinandersetzung mit der Fast Fashion um Einblicke in die Berliner Slow Fashion Szene: Als Dreh- und Angelpunkt der internationalen fairen Modewelt entstehen in Berlin zahlreiche innovative Ideen, wie Mode nachhaltig produziert und genutzt werden kann und gleichzeitig Spaß machen kann.
https://www.smb.museum/ausstellungen/detail/fast-fashion.html
Zusätzlich gibt es ein Video: https://www.smb.museum/ausstellungen/detail/fast-fashion.html
Man kann das Museum Europäischer Kulturen auch online erkunden
artsandculture.google.com/partner/museum-europaischer-kulturen-staatliche-museen-zu-berlin
Wenn man z.B. dieses Frauengewand genauer anschauen möchte:
https://artsandculture.google.com/asset/übergewand-einer-frauentracht-unbekannt/pQHVKET8ujSnQQ?hl=de
dann kann man weiter unten auf der Seite Objekte aus anderen Museen erkunden, die aus derselben Zeit oder aus demselben Material sind oder ähnlich gearbeitet wurden.
Auf der Website des Museums für Islamische Kunst in Berlin findet man ein englischsprachiges Video über Teppich-Restaurierung,
https://www.youtube.com/watch?v=RoK8nJCjGLk&feature=emb_rel_end
In diesem Film erklären Kuratoren ausführlich ihre Lieblingsstücke aus dem Bode-Museum und der Gemäldegalerie in Berlin:
https://www.youtube.com/playlist?list=PLD-p8yovJgerw51XJLyx7eeUxGMrgRvIG
Die Sammlung von Tapisserien und Textilien des Rijksmuseums in Amsterdam umfasst über 10.000 Objekte aus dem 2. bis zum 20. Jahrhundert. Darunter sind etwa 200 Tapisserien, die einen repräsentativen Überblick über die europäische Tapisseriekunst bieten.
https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/works-of-art/tapestries-and-interior-textiles
Zu sehen sind Beispiele von Arbeiten aus allen großen Werkstätten. Prachtvolle Stücke sind der Wandteppich mit der Darstellung von Cephalus und Procris (um 1610) aus dem Atelier von François Spiering und der Triumph des Ruhmes über den Tod, der zwischen 1520 und 1525 in Brüssel gewebt wurde. Darüber hinaus sind Teppiche aus Europa und Asien aus dem 17. bis 19. Jahrhundert zu sehen, nicht zuletzt der wunderbare Sternmedaillon-Teppich aus Uschak (Anatolien). Die Textilsammlung für das Interieur ist sehr vielfältig und umfasst Wandbehänge, aber auch Tapeten und vergoldetes Leder, Bettvorhänge, Polster, Tagesdecken und Kissen. Zu den prächtigen Exponaten gehört eine indische Tagesdecke aus dem 18. Jahrhundert mit dem Wappen von Amsterdam, die mit Chintz hergestellt wurde: eine in den Niederlanden viel nachgeahmte Technik, bei der Baumwolle von Hand in bunten Mustern, oft mit Blumen, bemalt wird.
Damast, Seidenstoffe, Stickereien und Spitze (keine Kleidung) sind Teil der riesigen Sammlung von Flachgeweben des Rijksmuseums in Amsterdam.
https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/works-of-art/textiles
Zusammen mit Tapisserien und Interieurtextilien zählt sie rund 10.000 Objekte. Die Damastsammlung umfasst etwa 3.000 Stücke in allen Stilen und für alle Arten von Gebrauch, darunter viele Servietten und Tischdecken. So gibt es zum Beispiel Fragmente einer Tischdecke, die mit der biblischen Geschichte von Susanna verziert ist: eine technische Meisterleistung, gewebt in feiner Satinbindung für die Familie Egmond-De Lannoy um 1530.
Seidenstoffe aus dem Mittelalter bis ins 20. Jahrhundert sind eine Stärke der Kollektion. Wie die Samtstoffe wurden sie nicht nur in Innenräumen, sondern auch für Kleidung oder zum Beispiel als Sargdecken verwendet. Die Ursprünge der Textilien reichen von Persien und Marokko bis nach Italien, England und Frankreich. In der Mehrzahl handelt es sich um französische Seidenstoffe aus dem 18. Jahrhundert.
Bestände aus Ägypten geben einen Überblick über koptische Textilien des 3. bis 8. Jahrhunderts. Darüber hinaus gibt es schöne Beispiele für den orientalischen Einfluss auf westliche Stoffe, wie zum Beispiel die Batikstoffe des niederländischen Dekorationskünstlers Lion Cachet aus dem 19. Jahrhundert.
Das Musée de l'Impression in Mulhouse, Frankreich, hat eine großartige Sammlung bedruckter Stoffe.
http://www.musee-impression.com/les-indiennes/
Die Geschichte des Textildrucks begann in Indien. Seit der Antike (vielleicht 2.000 Jahre vor unserer Zeitrechnung) haben indische Handwerker die Geheimnisse der Kunst der Verzierung von Baumwoll-Leinwand von Generation zu Generation weitergegeben. Die langen, komplexen und empirischen Herstellungsprozesse der Inder basieren auf der Verwendung von Beizen, Metallsalzen, die, wenn sie auf den Stoff aufgetragen werden, die Farbstoffe fixieren. Diese Beherrschung der chemischen Prozesse führt zu einer Palette satter und leuchtender Farben, die von Krapprot und Indigoblau dominiert wird. Die Portugiesen waren die ersten, die diese in Indien bemalten und gedruckten Baumwollstoffe nach Europa brachten.
Die Indiennes sind die ersten gedruckten Exemplare, die Ende des 16. Jahrhunderts nach Europa gebracht wurden. In einer Zeit, die an schwere Seiden-, Woll- und Leinenstoffe gewöhnt war, waren sie völlig neu. Die indischen Kleider gefallen durch ihre Frische, und die Vorhänge erhellen die Innenräume. Hier entdeckt der Besucher das Geheimnis dieser Drucke mit reichen Mustern in brillanten Farbtönen, die auf dem Prinzip der Beize basieren, einem Metallsalz, das den Farbstoff auf der Faser fixiert.
In weniger als einer Generation, von 1815 bis 1835, haben sich der Stoffdruck und die gesamte Textilindustrie radikal verändert.
http://www.musee-impression.com/etoffes-imprimees-au-xixeme-siecle/
Produktion, Verteilung und Arbeitsteilung wurden um einen neuen Akteur herum organisiert: die Maschine. Ingenieure und Kapital sind heute der Schlüssel zum Erfolg. Die Suche nach neuen Technologien, die Zunahme der Investitionen, der Rückgriff auf mächtige Energiequellen führen die Industrie allmählich in das Zeitalter der industriellen Revolutionen.
Im 19. Jahrhundert revolutionierte die Chemie der Farbstoffe den Textildruck ebenso radikal wie das Aufkommen der Maschine. Produkte und Prozesse wurden besser verstanden, verbessert und diversifiziert. Die Chemie wurde zu einer Wissenschaft, und ihre Anwendungen vervielfachten sich ab den 1860er Jahren. Die Entwicklung der ersten synthetischen Farbstoffe markierte den Beginn einer ungeheuren Forschungs- und Innovationsperiode, die bis ins 20. Jahrhundert andauerte und die führende Rolle der Chemie in der Druckindustrie begründete. 1856 entdeckte der englische Chemiker Perkin den ersten synthetischen Farbstoff, Mauvein, und 1902 waren bereits fast 700 synthetische Farbstoffe verfügbar.